ArtCatalyse : l'art qui dialogue avec l'environnement

Expositions en cours


  L’art qui dialogue avec l’environnement



L’art dans les chapelles édition 2018 - Coups de cœur d’ArtCatalyse
22 sites patrimoniaux dans le Pays de Pontivy Vallée du Blavet
06.07.2018 -  16.09.2018







 







 




 

 












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Communiqué de presse

Depuis sa création en 1992, L’art dans les chapelles  a invité plus de 400 artistes nationaux et internationaux à intervenir dans ces lieux patrimoniaux remarquables dont la plupart ont été érigés entre le XVe et le XVIe siècle. Chaque œuvre est pensée spécifiquement pour être montrée dans la chapelle attribuée à l’artiste. Un budget de production est mis à la disposition de chacun afin de réaliser une œuvre inédite et in-situ.
Que celles-ci s’appuient sur les qualités architecturales des lieux ou bien jouent avec les espaces et la lumière qui les traverse, les œuvres sont toujours pensées dans l’idée de confronter le point de vue de l’artiste avec le lieu qui abrite son travail. Cette manifestation offre donc la possibilité de voir s’établir des liens forts entre la création artistique contemporaine et un patrimoine exceptionnel.



































































 













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Gilles Aillaud

Important



Marika Prévosto

À

sandie hatem

jul 1 à 2h10 PM

Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.























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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…







Exposition du 6 juillet au 16 septembre 2018.
Tous renseignements sur la programmation : http://www.artchapelles.com/




 





  







































Partager sur Facebook Partager sur Twitter Partager par e-mail Imprimer Partager sur LinkedIn L’art dans les chapelles édition 2018 - Coups de cœur d’ArtCatalyse

  © ArtCatalyse / Marika Prévosto 2007 - 2018. Tous droits réservés

Nos coups de coeur parmi les 17 artistes sélectionnés par Éric Suchère, directeur artistique de L’art dans les chapelles édition 2018


Cécile Beau s'intéresse aux phénomènes trop lents, trop lointains ou trop discrets pour l'échelle de temps humaine. Composée d'installations où le son, l'image et l'objet entretiennent des rapports étroits et multiples, elle construit une œuvre minimale et sensorielle qui se saisit de la nature et du cosmos comme objet d’étude et de contemplation. L’artiste fait intervenir notamment des végétaux et minéraux, qu’elle mêle à toute une machinerie illusionniste pour recréer des phénomènes physiques spécifiques. Ceux-ci se voient « activés » dans des écosystèmes prenant la forme de paysages - dépouillé de la présence humaine - souvent austères et énigmatiques, qu’elle fusionne en d'étranges hybrides naviguant dans un autre espace-temps.


Depuis plusieurs années, Charlotte Charbonnel semble vouloir tisser les liens invisibles qui unissent les matières élémentaires de l’univers. Son travail découle d’une recherche empirique à entrées multiples  : écoute et capture de matériaux ou de phénomènes naturels, exploration des différents états de la matière, observation méticuleuse de substances insaisissables… Elle trouve ainsi dans les fluides indécis, les ondes capricieuses, les nuées, fumées, ou autres formes brumeuses, un terrain d’expérimentations illimité. L’auscultation méticuleuse de la nature l’a conduite à s’intéresser de près aux fluides, aux vibrations mécaniques des matériaux et à leurs formes sonores. La recherche de la nature cachée des éléments prend aussi parfois la forme d’une enquête géologique, notamment lorsqu’elle confronte son et architecture  : sonder un bâtiment lui permet alors de révéler les couches invisibles de ses sédiments, ses flux et énergies impalpables. Les différents processus qu’elle met en place laissent faire le mouvement et l’indétermination et ont la capacité d’éveiller chez le spectateur une pensée magique. Elle revisite avec enchantement les formes qui ont toujours exercé une fascination sur les Hommes  : celles qui se situent dans l’interaction des quatre éléments ou la nature primordiale de l’univers, rendant la vision d’un ciel étoilé ou le spectacle de la formation des nuages magnétisants. (Nathalie Desmet)

Roland Cognet prend acte de nos changements de points de vue, il nous propose de considérer des objets pris dans un flux, existants en tant que forme ou absence de forme. Il s’autorise à utiliser différents matériaux qui dictent leur propre réalité, mais ces mises en espace visent à donner du sens au monde, tandis que, confrontés à ces seuils d’observation, nous pouvons à notre tour «  rénover  » notre regard. (Claire Nédellec)

Marc Couturier s’est fait connaître par son travail sur les « Barques en lévitation ». C’est au début des années 90 que le concept de « Redressement » lui est venu : sous ce terme, Marc Couturier a réuni un ensemble d’oeuvres « non faites de main d’homme » (en grec ancien acheiropoiète) dont la forme évoque providentiellement figures et paysages, facilement identifiables. Il nous les donne à voir, sans les modifier. Une feuille d’aucuba devient vitrail ; une plaque de placoplâtre devient un « Redressement » ; une promenade dans Amiens donne naissance aux « Cabochons », redressement virtuel d’éléments d’architecture ; une douelle de foudre, trouvée dans un chai au Portugal, forme une sculpture primitive ; la présentation et la mise en lumière de fragments de douelle en « Teatrini » deviennent un ensemble de petits paysages... Parallèlement, il développe une oeuvre «faite de main d’homme» qui invite à la contemplation ou à d’autres voyages : des « Lames » de samba recouvertes à la feuille d’or sont fichées dans les murs (exposition «Formes simples », Centre Pompidou Metz, juin 2014) ; les « Dessins du troisième jour », tracés à la mine de plomb sur papier ou au graphite pur sur d’immenses wall drawings (Musée de la Chasse et de la Nature, 2012 / Palais de Tokyo, exposition « Inside », oct-nov. 2014) évoquent la création dans la Genèse ; les dessins à la pointe d’argent sur toile préparée ou réalisés en wall drawings (MUDAM, Luxembourg / Exposition « Traces du Sacré » au Centre Pompidou, 2008) et tout dernièrement les pastels.

Le travail d’Adam Jeppesen est base sur l’observation et est de nature processuelle, indépendamment du thème, des médiums et des matériaux utilisés. Jeppesen s’intéresse aux processus et aux conditions toujours changeantes de son environnement. L’univers est en mouvement constant, dirigé vers ou loin de son potentiel, et il n’y a aucune raison de croire que quelque chose est fini, défini ou complet. Le sujet et l’objet de Jeppesen sont intimement liés, et le dernier travail de l’artiste suggère un intérêt accru dans le franchissement des limites entre l’espace, l’objet et l’observateur. Il est basé sur la lumière et les ombres dans les espaces où sont exposées ses œuvres. Le travail de l’artiste est passé progressivement d’œuvres bidimensionnelles photographiques vers une expression plus sculpturale. Ce changement est maintenant terminé, se manifestant dans des réservoirs de verre remplis de liquide, dans lesquels un tissu suspendu par des ficelles semble flotter librement. Le liquide ajoute une présence indistincte à chaque pièce  : une dimension supplémentaire qui, en raison de sa transparence totale, est largement perçue comme un sentiment. (Bolette Skibild, MA in Cultural Studies)

Au milieu des années 1990, après des expositions à New York et à Paris, Peter Soriano obtient une reconnaissance internationale pour ses sculptures biomorphiques faussement ludiques en fibre de verre. En 2004, après une résidence au studio Calder, Soriano commence à faire des sculptures murales jusqu’à ce qu’en 2012, il élimine complètement les éléments structuraux. Son travail consiste à présent exclusivement en des dessins muraux tentaculaires, composés d’acrylique et de peinture en aérosol, ainsi que des travaux connexes sur du papier plissé et plié. Les peintures murales de Peter Soriano, qui ont été largement exposés internationalement, sont dominés par un lexique graphique de codes, de symboles et de mesures.