ArtCatalyse : l'art qui dialogue avec l'environnement

Expositions en cours


  L’art qui dialogue avec l’environnement



Citizen Collision, contre l’architecture
Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Lyon
18.01 - 10.02.2018







 







 




 

 












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Communiqué de presse


Simon Bergala propose cette exposition dans le cadre de la soutenance du Diplôme supérieur de recherche en art (DSRA), sous la direction de Bernhard Rüdiger. Il est membre de l’Unité de recherche ACTH (Art contemporain et temps de l’histoire).

Citizen Collision, contre l’architecture rassemble des œuvres qui, au travers des figures de l’architecture ou de la cartographie, évoquent la ville. Depuis longtemps des liens forts se sont tissés entre une fonction projective de l’art, qui a vocation à modéliser l’espace de la vie collective et l’idéal de la cité, la définition de l’espace public et politique.




























































 













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Gilles Aillaud

Important



Marika Prévosto

À

sandie hatem

jul 1 à 2h10 PM

Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.























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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…







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Citizen Collision, contre l’architecture, Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Lyon

Exposition du 18 janvier au 3 mars 2018. Réfectoire des nonnes, École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, 8 bis quai Saint-Vincent – 69001 Lyon. Ouverture du mercredi au samedi de 13h à 19h.


































Dans un premier temps, les œuvres présentent des figures liées à l’architecture ou à la ville au moyen de médiums très variés  : textes, peintures, sculptures (Bruno Botello), vidéos (Andrea Fraser), ou installations vivantes. Ces travaux ont en commun d’aborder la ville comme une scène de théâtre, un espace unifié et idéalisé conçu pour y inscrire une narration historique. Dans la plupart de ces œuvres, une critique de la situation de l’exposition rejoint celle de la fonction symbolique de l’architecture.


Un poème de Jenny Holzer ouvre l’exposition. Le texte questionne le conditionnement de la vie individuelle produit par l’architecture dans l’organisation des sphères privées et publiques. Tout près, l’oeuvre de Michel Blazy Sculpcure, empilement de peaux d’orange en décomposition, confronte la permanence verticale de l’architecture aux transformations du vivant. L’exposition se poursuit avec un ensemble de «  modèles  » architecturaux (Jean-Alain Corre, Mimosa Echard) parmi lesquels une sculpture de Jimmie Durham, Arc de Triomphe for Personal Use. Il s’agit d’un simple arc de métal aux dimensions d’une porte voûtée, et de petites roues qui permettent de déplacer «  l’arc  ». Pièce centrale de cette première partie, Arc de Triomphe for Personal Use produit de manière explicite cette double critique, celle de la permanence des images que l’architecture produit dans la ville, sa fonction symbolique, mais aussi critique de la situation de l’exposition où l’artiste propose pour tout un chacun une image du monde.


Dans un second temps, l’exposition s’oriente à l’inverse vers l’apparition de l’imprévisible, vers une perception de phénomènes qui échappent à la transparence nécessaire à l’écriture d’une Histoire commune. C’est cette fois par le détournement des motifs de la cartographie et de la géographie que les œuvres procèdent pour ouvrir des perceptions horizontales et archipéliques.

Les «  maps  » d’Öyvind Fahlström croisent la structure de la cartographie avec l’écriture de la bande dessinée. Ces cartes sont constituées d’un fourmillement d’informations créant d’innombrables localités. Par leurs juxtapositions, elles occupent un espace continu, mais il est impossible de les lire selon un mouvement linéaire qui parcourerait la totalité. On retrouve ce type de relation à l’espace dans le travail d’Anne Bourse dont les papiers découpés constituent un espace archipélique qui se déploie cette fois dans l’espace sur des panneaux de plexiglas.


Ensuite, plusieurs propositions présentent des «  corps archipéliques  », sculptures compoées de matériaux et de gestes hétérogènes. Ici, chaque matériau apparaît d’abord dans son agencement à un ensemble plus vaste. Chacun de ces travaux manifeste à sa manière une forme de vie singulière qui résulte d’une «  archipélisation  » de l’espace et des corps. Ces formes, inattendues par le tissu qu’elles forment, sont relatives à une totalité, au «  tout-monde  » selon l’expression d’Édouard Glissant. Mais cette totalité n’est pas celle que l’on peut embrasser d’un point de vue unique, point de vue qui nécessite de résumer toute choses selon des concepts généralisateurs. C’est au contraire une totalité qui se perçoit chaque fois différemment, par les relations singulières qui se forment entre différentes perceptions, entre différents lieux.


Le film The People clôt l’exposition. Les rushs filmés pendant des années par Mimosa Echard lorsqu’elle était adolescente, dans la communauté-village où elle a grandi, sont superposés de sorte que plusieurs images, plusieurs temps, s’interpénètrent sur l’écran. L’espace de vie de la petite communauté n’y apparaît pas selon des repères géographiques mais à travers des mouvements incessants qui, plutôt que d’entrer dans le mouvement linéaire du film, se rencontrent dans la profondeur de l’image. C’est aussi la rencontre de la temporalité d’une vie réinventée parmi les ruines d’un village dont le passé est oublié, et celle cyclique et répétitive de la nature.


Liste des artistes  : Robert Adams, Simon Bergala, Michel Blazy, Bruno Botella, Cécile Bouffard, Anne Bourse, Jean-Alain Corre, Jimmie Durham, Mimosa Echard, Öyvind Fahlström, Andrea Fraser, Jenny Holzer et Peter Nadin, Renaud Jerez, William Pope.L, Sarah Tritz

Avec des œuvres prêtées par l’Institut d’art contemporain Villeurbanne / Rhône-Alpes et Collection 49 Nord Est – Frac Lorraine.


Oyvind Fahlstrom, Sketch for World Map Part I -Americas, Pacific-, 1972. Lithographie offset, 86,4 x 101,6 cm.  Collection IAC, Villeurbanne/Rhône-Alpes. Crédit photographique : Blaise Adilon

Oyvind Fahlstrom, Sketch for World Map Part I -Americas, Pacific-, 1972. Lithographie offset, 86,4 x 101,6 cm.  Collection IAC, Villeurbanne/Rhône-Alpes. Crédit photographique : Blaise Adilon