“ Lorsqu’il dessine avec un pinceau-feutre et se laisse aller au dessin par gestes réguliers, rythmés et rapides, Julien Tiberi observe la masse noire et regarde à travers elle pour « halluciner l’image ». Il avance à l’aveugle dans cette « filature lente », réagissant toujours au point qu’il vient juste de déposer ; il « respecte chaque trace et suit les indications qu’elle donne » pour inscrire la marque suivante. Ce réseau en pointillé sert à faire naître quelque chose d’encore inconnu : « le dessin désigne l’espace de l’autre tout en respectant sa structure », explique également l’artiste. Il laisse les formes se manifester à lui – processus plus ou moins long, et parfois en échec –, même si on ne peut écarter l’idée qu’il exerce sa subjectivité au cours de cet acte interprétatif qui rappelle la klecksographie et d’autres expressions de paréidolie. Puis vient le passage à la couleur, où là aussi tout est question de riposte à ce qui précède.
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Gilles Aillaud
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Marika Prévosto
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sandie hatem
jul 1 à 2h10 PM
Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent
En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.
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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017. Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.
Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.
Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.
À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.
Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…
Par ailleurs, l’image est un pôle d’attraction des antagonismes, à l’exemple de la peinture Phà! Phà! (2019-2021), œuvre-source de l’exposition. Alors que l’artiste était en train de réaliser plusieurs tableaux en même temps, passant de l’un à l’autre sans trop s’y attarder, il perçut soudainement le chant d’une grenouille provenant de l’étang près de son atelier. « Allant au plus gras », il se saisit d’un tube de peinture à l’huile pour représenter, au centre de sa composition, le coassement du batracien sous la forme d’ondes : le son émis avait contaminé la toile. C’est là un exemple de la stratégie de distraction adoptée par Julien Tiberi, de son sens de la dérivation par la forme, de son goût pour l’imprévu, mais aussi de sa volonté d’aller contre et d’aller vers des choses étrangères, de les faire cohabiter, d’attester qu’elles existent.
La volubilité de Julien Tiberi exprime cette déviation constante de la pensée, où une idée en affecte une autre ou la capte avec une rapidité folle, où le méandre est la seule voie pour parcourir la diversité fondamentale, visible et invisible, du monde. Que ce soit dans le dessin, la peinture ou l’installation, l’artiste considère que « fabriquer des images, c’est voir naître des choses ». Il affectionne ainsi le pouvoir animateur du dessin qu’il définit par la métamorphose, la transfiguration et la transgression – il cite le cinéaste Sergueï Eisenstein et son concept de « plasmaticité ».
Contrairement aux œuvres « floues » qui étaient de nature programmatique, l’artiste a cette fois-ci peint sans savoir à quel résultat il aboutirait et sans maîtriser la technique. La toile, d’abord aspergée de liquides colorés à l’acrylique, est travaillée notamment à l’éponge, puis lorsque l’artiste « trouve la note » – c’est-à-dire que la toile humidifiée par les différents jus se tend et, en séchant, produit un son comme si elle était un instrument de percussion –, il s’arrête, dépose de la gomme à dessiner de manière improvisée mais maîtrisée – il finira par l’ôter comme d’ordinaire –, et enfin reprend l’ensemble à la peinture à l’huile ou au pastel sec, créant les motifs par l’extérieur, en les cernant à partir des indices qu’il a semés. Il envisage le tableau comme « un plateau de théâtre où l’on répète en permanence » : il s’y exerce, se trompe, s’enlise, explore, s’y perd, se divertit, et fait de toutes ses errances (physiques, mentales, sensorielles, matérielles) les protagonistes de sa création. »
Exposition du 14 mai au 18 juin 2022.Semiose galerie, 44 rue Quincampoix - 75004 Paris. Tél.: + 33 (0) 9 79 26 16 38. Ouverture du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous.
