Le spiralisme, terme forgé par le regretté poète, peintre et musicien haïtien Frankétienne (1936-2025), a émergé comme mouvement littéraire à la fin des années 1960. Dérangeant les conventions avec la force d'un ouragan équatorial, le spiralisme incarne le retour cyclique et l'évolution continue alimentés par le mouvement. Affranchi du système culturel établi, il unit la lutte postcoloniale locale à la réponse collective à la violence mondiale, s'emparant d'un langage symbolique et surréaliste pour une interprétation transcendantale du réel. Célébrant essentiellement la force révisionniste et résiliente de l'entropie, le spiralisme de Frankétienne préfigure l'œuvre de Robert Smithson, Spiral Jetty (1970). Construite dans les salines de l'Utah – après que l'artiste américain eut passé beaucoup de temps dans les Caraïbes, sur la côte est du Mexique – Spiral Jetty fusionne mythe, matière et transformation cristalline.
Bernard Stiegler
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Gilles Aillaud
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Marika Prévosto
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sandie hatem
jul 1 à 2h10 PM
Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent
En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.
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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017. Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.
Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.
Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.
À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.
Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…
Drew Dodge, Earth-Pourers Semiose Galerie, Paris 29.08 - 31.10.2026
Fluides et plus grandes que nature, l'énergie et les motifs formels du mouvement que Frankétienne percevait comme capturant les « palpitations cardiaques » du monde moderne, ainsi que la vision matérielle monumentale de Smithson, se retrouvent dans les peintures à l'huile sur toile de Drew Dodge. Pour « Earth-Pourers », sa troisième exposition personnelle à la galerie Semiose (après « Earth Song » en 2024 et « Rainbows, Rituals, and Ruins » en 2025), le peintre new-yorkais s'approprie le motif de la coquille – présent dans presque toutes les toiles de cette série récemment achevée. Persistance préhistorique de la spirale, cette forme est un outil libérateur et créatif pour les personnages peints d'« Earth-Pourers », « créateurs, artistes », explique le peintre. L'intérieur sinueux de la coquille offre une structure complexe à ses éléments de composition principaux : des espèces interspécifiques enchevêtrées, des ciels tourmentés, des courants de retour superposés, de la lave en fusion et des cordes sinueuses.
Pour Dodge, la coquille symbolise à la fois le temps et la mémoire (le passé et le connu) ainsi que l'infini (la croyance en l'au-delà). Il est également pertinent que la surface irisée et nacrée de la coquille reflète le brillant de toiles de plus en plus imposantes.
Comme pour inonder ses premières vues désertiques, inspirées autant par les routes solitaires de son enfance en Arizona que par son admiration pour les étendues arides et acérées de Salvador Dalí, Dodge imprègne ces nouvelles œuvres de visions d'eau – une évocation du mirage. Ici, les dunes de sable deviennent des lignes d'horizon océaniques, et les coquilles d'escargots remplacent son motif usé par le temps, le crâne de vache blanchi par le soleil.
À l'instar du crâne animal, que Dodge perçoit comme une sorte d'instrument de musique, creux et sonore, l'artiste s'approprie le coquillage comme réceptacle du son. Comme l'écrit E.B. White (1899-1985) dans son poème « Le Coquillage », ce récipient est un portail vers les ondes sonores de l'au-delà : « Tiens un bébé contre ton oreille / Comme tu tiendrais un coquillage : / Tu entends les sons des siècles / Annonçant de nouveaux siècles. » Un hurlement vibrant, entre paysage et imagination, est presque audible dans les compositions balayées par le vent de Dodge. (Remarquez d'ailleurs la sérénité des oreilles tombantes de ces chimères à peine plus grandes que nature.) Ce sont la fumée qui s'élève, les rubans qui flottent et les nuages qui s'étirent, prémices d'un cirrus orageux, qui annoncent le chaos imminent.
« Chef d'orchestre des toiles », sourit l'artiste en décrivant sa méthode de travail, un rituel d'échelle, de scénographie et d'incantation. Commençant sur du coton tendu – « Il me le faut très tendu », explique-t-il –, Dodge peint toujours le ciel en premier. « C’est une façon ludique de commencer. Le ciel donne le ton, et la lumière. » Bien qu’il n’ait pas encore travaillé au théâtre ou à l’opéra, et qu’il refuse de se qualifier de musicien ou de danseur (même si c’est une danse qu’il décrit lorsqu’il pose son pinceau sur la toile, et une danse qu’il voit ses protagonistes exécuter), Dodge exprime la vision d’un metteur en scène. Il construit une luminosité céleste avec un large pinceau plat, créant une surface extrêmement lisse et parfaitement plane. Les personnages viennent en dernier, rendus de l’arrière vers l’avant. Puis vient un « travail de superposition d’huile quasi-dévotionnel », où il peint chaque cheveu un à un dans un processus méditatif qui flirte avec la dissociation. Dodge cite Michel-Ange (1475-1564) : « Un peintre peint avec son cerveau, non avec ses mains » – lui aussi ressent l’urgence de pousser ses surfaces superbement lisses vers une illusion de matière et de texture. Fasciné par la musculature bouillonnante de la sculpture de la Renaissance, Dodge admet une admiration, voire une obsession, pour la description de la matière. Travaillant seul dans son atelier, bercé par l'écoute en boucle de Blue (1993) de Derek Jarman, il me confie : « J'ai l'impression d'atteindre un état spirituel, quelque chose de plus grand auquel nous pouvons tous nous connecter. »
Attiré par la peinture narrative de grand format, Dodge cherche à « fossiliser un instant liminal où le destin de la scène est incertain ». Contrairement au triomphal Washington traversant le Delaware (1851) d'Emanuel Leutze ou au tragique Radeau de la Méduse (1819) de Théodore Géricault , le spectateur ignore comment les situations imaginées par Dodge se résoudront. Dans son projet de création d'univers, il plonge le spectateur dans un tourbillon d'incertitude saisissant – un portrait étonnamment actuel. Que produiront ces « Verseurs de Terre » ? Leurs propositions seront-elles retenues ?
Au moins un critique a établi un lien entre les personnages canins de Dodge et le cosplay. « Chacun est libre d'interpréter », concède l'artiste, mais il précise qu'en réalité, cette créature hybride lui est venue comme une évidence. « Je ne voulais pas me représenter », se souvient-il. « Je vois ces figures comme des alter ego. Ce ne sont pas tant des chiens, mais plutôt des êtres à mi-chemin entre l'animal et l'humain. » Pour reprendre les mots du philosophe italien Emanuele Coccia (né en 1976), évoquant les récits mythiques de transformation d'Ovide, la métaphysique de la mutabilité se manifeste dans la métamorphose. C'est la mort d'un mode d'être qui ouvre la voie à un autre. De plus, dans ce lieu de bouleversement, le jeu est possible. « Parce qu'ils vivent dans un monde entre l'humain et l'animal, il n'y a ni règles ni limites », révèle Dodge. « La folie est acceptée et la porte s'ouvre à la sensualité. »
Cette connectivité quantique fait écho à la pensée d'un autre poète caribéen du XXe siècle, Édouard Glissant (1928-2011). Articuler l'archipel comme un modèle de coopération non hiérarchique entre des corps divers, la philosophie de Glissant imagine des îles indépendantes surmontant les frontières de l'eau pour agir ensemble comme une entité cohérente. L'excentricité se mue en force. « Pour moi, l'identité queer a toujours été quelque chose de spirituel », confie Dodge. « C'est interdisciplinaire et transformateur, ma façon de comprendre le lien qui unit mon corps au paysage et à l'univers. »
Drew Dodge, The Sun-Climber, The Moon-Chaser, and The Stairway to Heaven - A Leap of Faith (Crescendo), 2026
Exposition du 29 août au 31 octobre 2026. Semiose, 44, rue Quincampoix - 75004 Paris. Tél.: +33 (0)9 79 26 16 38. Ouverture du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous.
