L’art qui dialogue avec l’environnement

Eva Nielsen, Alluvion

Fondation Bullukian, Lyon

07.02 - 10.05.2025

Communiqué de presse

Nouvelle lauréate de la Résidence Bullukian – Fontevraud, l’artiste Eva Nielsen s’est nourrie de la distance physique qui sépare nos deux institutions pour élaborer une traversée mentale et picturale où des croisements entre peintures, archives personnelles et filtres hybrides s’entrelacent dans un flux incessant que rien ne semble pouvoir fixer.

Durant l’été 2024, l’artiste a réalisé un road-trip telle une odyssée artistique et spirituelle entre l’Anjou, avec l’Abbaye royale de Fontevraud, et le Rhône, avec la Fondation Bullukian, pour réunir symboliquement deux points comme on trace un dessin à main levée sur une carte. Prendre la route, voyager sans repères et sillonner le paysage dans des trajectoires incertaines pour faire de cette expérience du déplacement une opportunité créative. Cette évasion insolite a pris le nom d’Alluvion, devenue pour l’artiste un nouveau terrain d’exploration et d’expérimentation.

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Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.

Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…

Les nouvelles productions d’Eva Nielsen regorgent de ces panoramas mystérieux, aux passages impénétrables où le réel semble se décomposer pour mieux se reconstruire dans des reliefs sédimentés aux textures sablonneuses, telles des empreintes de temps géologiques. La peinture est alors envahie de ces fines particules de résidus qui se déposent et se dissolvent lentement sur le papier photographique, la toile et le voile. Des traces infimes, patientes et actives, qui font surface et que l’artiste traduit dans des compositions aux couleurs intenses mais fugaces.

Avec Alluvion, Eva Nielsen ne se limite pas à revenir sur les traces d’un chemin déjà emprunté en reliant géographiquement deux espaces, elle nous associe à ce voyage de l’intime et du sublime dans lequel l’érosion du temps s’impose à nous comme un cycle inéluctable.

Commissaires de l’exposition : Fanny Robin, Directrice artistique de la Fondation Bullukian et Emmanuel Morin, Directeur artistique et culturel de l’Abbaye royale de Fontevraud

Extraits du texte d’Eva Nielsen sur son travail

« La conception révolutionnaire de la surface plane, l’utilisation du quotidien comme matériau et la réinterrogation du cadre sont autant de réflexions qui ont structuré mon travail ces dernières années. La ville, avec ses plans, ses matériaux, ses architectures et ses coupes est, à mes yeux, déterminante. La notion de découpe de l’horizon et de redéfinition de l’espace sont des éléments structurants de mon travail. »[...]
« Le fait de travailler avec la sérigraphie répond au souci de confronter le geste pictural à celui engendrée par la technique. C’est la contradiction entre la trace imprimée et le geste pictural qui retient mon attention. Imprimer des résidus d’objet ou des parts de l’architecture est un processus que j’ai mis en place. En ce sens, la référence à la figure, en tant que représentation d’une portion de réel est exaltée dans le geste sérigraphique qui répond à une tentation de collage, d’assembler à la fois une extraction qui viendrait de la photographie pour le confronter à une autre temporalité, liée à la peinture en tant que matériau. » [...]
« Le rapport à l’impression s’est imposé naturellement dans mon travail. Je me suis toujours considérée aussi bien comme une « peintre » que comme une « photographe ». Mêler intimement les techniques et tester leur point de rupture est une jubilation dont je ne me lasse pas. La sérigraphie venait selon moi servir mon propos avec efficacité : les formes détourées, consacrées aux structures soulignent à la fois leur aspect massif, écrasant, et frontal, tout en venant heurter la peinture. Cela crée également une échappée visuelle pour le regardeur et encadre à la fois la perception de l’espace. Je suis obsédée par la mise à plat du décor, et, également la question de l’horizon. » [...]

« C’est quelque chose que j’ai en tête depuis très longtemps, en lien avec la sensation du « décor aplati » : la sensation d’un horizon inaccessible. C’est bien sûr l’horizon de la peinture, celui qui a obsédé les peintres depuis des siècles. On revient à l’idée de « mensonge vrai ». le peintre donne à voir un semblant d’horizon, une image d’une échappée, or, cette échappée est celle de l’espace peint. L’expérience de l’horizon est rare, excepté lorsque nous sommes face à la mer par exemple.
Dans un paysage urbain, l’accès à l’horizon est difficile, nous sommes contraints de voir la ligne d’horizon à travers différents obstacles, cadres et grilles. Cela rejoint une autre donnée importante dans mon travail, qui est la trame et l’écran. La trame est un élément primordiale en sérigraphie : c’est elle qui permet la retranscription de l’image sur l’écran, qui permet la restitution de l’image sur le support. C’est une grille de compréhension en quelque sorte.

Mon travail se base sur une suite de « révélations » au sens où les éléments de composition apparaissent au fur et à mesure : d’abord la construction du croquis, le choix du calque, le tramage, les parties peintes ou imprimées, et enfin, la tension qui résulte de ces confrontations. La peinture vient cingler la sérigraphie (ou l’inverse). Le travail sur ces strates crée des révélations successives qui construisent l’image. L’image est ainsi dans une destruction organisée, rythmée par les dispersions et les accroches. Cela me permet également de travailler de manière radicale sur la question du trompe l’oeil, approche qui me fascine depuis plusieurs années. Parler de trompe l’oeil, c’est revenir sur la question du contrat passé avec le regardeur, sur l’accord tacite selon lequel ce qui est donné à voir partage des ressemblances persistantes avec ce que notre oeil connaît tout en affirmant qu’il n’en est rien, qu’il ne s’agit que de peinture et, bien sûr, de l’horizon de la peinture. »

Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2009, Eva Nielsen explore les frontières entre la photographie, la sérigraphie et la peinture. En 2021, l’artiste participe à la 16ème édition de la Biennale d’Art Contemporain de Lyon et est actuellement finaliste du Prix Marcel Duchamp 2025.

Dans son processus de création, les éléments de composition émergent progressivement : le croquis, le choix des calques, les tramages, ainsi que la sérigraphie et la peinture. Ce travail par strates permet une construction successive de l’image. Lors de la réalisation de l’oeuvre dans l’atelier, la toile est souvent placée au sol, permettant ainsi à l’artiste d’explorer et de créer l’image en tournant autour.

Ses oeuvres, composées de fragments d’images et d’un assemblage de différentes matières, se déploient sur de nombreux supports tels que l’huile, la soie, le latex ou l’organza. Plus récemment, lors de ses expositions, elle présente ses oeuvres combinées à des structures métalliques, proposant ainsi une superposition de vues au sein d’architectures dédiées.

Les oeuvres de l’artiste sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées, notamment au MAC/VAL (Vitry-sur-Seine), au MOCA (Los Angeles), à la collection des Beaux-Arts de Paris ou encore au CNAP (Paris).

Exposition du 07 février au 10 mai 2025. Centre d’art contemporain de la fondation Bullukian, 26 place Bellecour – 69002 Lyon. Entrée libre du mardi au vendredi de 14h à 18h et le samedi de 10h à 12h et de 14h à 18h. Fermeture les jours féries.